1. Um bom design é inovador

2. Um bom design torna um produto útil

3. Um bom design é estético

4. Um bom design torna um produto compreensível

5. Um bom design é discreto

6. Um bom design é honesto

7. Um bom design é duradouro

8. Um bom design é completo, até o último detalhe

9. Um bom design é ecologicamente correto

10. Um bom design é o mínimo possível

Nem só de camadas e filtros se faz um bom designer!

Não quero nem entrar em detalhes do site (até a marca do twitter está sendo utilizada de forma inadequada, de acordo com as regras publicadas pela própria administração da rede social), vou me ater à página de apresentação da marca do projeto. Observem bem na captura de tela abaixo.

Apresentação da marca BRT Belém no site do projeto.

Acompanhem comigo: o texto começa errado porque apresenta erros grosseiros de ortografia, pontuação e concordância. Sim, isso é um recado direto aos profissionais e estudantes de design que não enxergam a importância do domínio da língua portuguesa (ou qual seja a língua utilizada no contexto). Um texto mal redigido, além de não apresentar coerência e fluidez, é capaz de derrubar a boa reputação de um profissional.

Imaginando que o texto estivesse dentro da norma culta adequada para a língua escrita, sua redação ainda não estaria coerente. No item “Sustentabilidade”, por exemplo, o trecho “A cor Azul turqueza está associada ao conceito de sustentabilidade, reduzindo o nível de CO2 atmosfera da cidade de Belém” (sic) nos deixa interpretar que o mero uso da cor na marca traz como consequência a redução do nível de dióxido de carbono emitido, uma informação obviamente incorreta.

Sobre a marca em si, a própria utilização da imagem (hipoícone) do ônibus é questionável. Uma marca não precisa apresentar o que ela representa (seu objeto) figurativamente, como olhos em marcas de clínicas oftalmológicas, ou grandes dentes antropomorfos em clínicas odontológicas. Para uma marca ter pregnância visual, ou seja, para que ela seja facilmente visualizada, interpretada e memorizada, é preciso simplificar o quanto for possível a sua forma (gestalt, um beijo!). Desta forma, se era realmente necessário desenhar o ônibus na marca do projeto, sua representação poderia estar mais simplificada, considerando ainda a dificuldade de visualização dos seus detalhes quando a marca for utilizada em sua forma reduzida.

A representação em perspectiva linear poderia até ser justificada como representação de dinamismo e velocidade, dois conceitos positivos relacionados ao projeto. Mas sua apresentação foi atribuida à “tecnologia que os ônibus da BRT terão ao trafegarem pela cidade” (sic), mais uma vez sugestionando um conceito equivocado (no caso, de que os ônibus adquirem tecnologia ao trafegarem nas vias da cidade).

Por fim, a perspectiva da faixa branca é apresentada como um recurso para “simbolizar de forma subjetiva” (sic) os corredores e canaletas do projeto. Semioticamente falando, não consigo compreender como seria um símbolo não-subjetivo, pois o símbolo, em si, já é um signo que produz uma ideia geral, que vai ser interpretada diferentemente por cada indivíduo. Ou seja, é subjetivo na sua essência! Porém, devemos considerar a possibilidade do uso do termo “simbolizar”  fora do seu conceito semiótico. Neste caso, a expressão é apenas uma forma de utilizar termos técnicos sem muito critério.

E vocês, o que acharam?

***ATUALIZANDO***

Antes da publicação desse texto, fui apresentada a outro site do mesmo projeto, o brtbelem.com.br. O susto? Um leiaute completamente diferente, incluindo a marca do projeto. Estou achando melhor deixar a análise desta outra marca para outro post, concordam?

Para quem curte fotografia, e adora a cidade de Belém, é uma bela oportunidade de ver a cidade através de olhares incrivelmente diferentes, pois a participação é aberta a profissionais e amadores, sem distinção de equipamento ou conhecimento técnico de fotografia.

O varal acontecerá no dia 19/08, uma programação interessante e gratuita para o fim de semana!

Para melhor visualização das informações, clique na imagem

Acertou quem respondeu “a necessidade de fugir da chuva”.

A designer Shiu Yuk Yuen, observando o hábito inglês de se proteger da chuva com jornal (hábito especialmente comum no centro da cidade, onde há uma edição de distribuição gratuita), criou um suporte para otimizar seu uso, mas que também pode ser utilizado com sacolas plásticas ou outro material similar ao alcance das mãos.

Conheça a Eco Brolly e seu processo de montagem

Em Belém, não é tão comum a utilização de jornal para proteger da chuva, até porque a nossa chuva geralmente chega forte demais para uns pedaços de papel. Há que se considerar ainda que, graças ao calorzinho tropical da cidade, não usamos casacos ou outras peças de tecidos mais pesados, o que nos torna ainda mais vulneráveis mesmo ao chuvisco. Mas talvez umas sacolas plásticas seriam bem vindas. Eu, por exemplo, sempre tenho no mínimo uma, dobradinha em triângulo, guardada na bolsa.

Aí eu me questiono: qual o fator ecológico do produto, se eu vou utilizar um jornal e descartá-lo sem nem ao menos ter feito uso de sua principal função? Será realmente ecologicamente correto usar sacolas de plástico ou outro produto similar, já que provavelmente ele ficará inutilizável após a chuva?

Por outro lado, a praticidade do objeto retrátil e pequeno o suficiente para ser guardado no bolso como um pequeno estojo chega a ser mais interessante que as menores sombrinhas que já vi pelo mercado. No entanto, como sou adepta dos enormes guarda-chuvas (que realmente protegem da nossa querida “chuva das duas”), essa vantagem é irrelevante.

E você, queria ver a Eco Brolly à venda na João Alfredo, ou no comércio da sua cidade?

Gêmeas? Não!

Em seu site, Kelli afirma que o projeto representa um questionamento autobiográfico sobre sexualidade e o papel dos gêneros que molda o indivíduo no relacionamento.

Mais do que esse auto questionamento sobre polaridades comportamentais intencionado pela fotógrafa, percebo uma oportunidade de observamos a nossa relação com a própria imagem fotográfica e seu caráter de mimese da realidade. Antes de mais nada, é preciso reconhecer a técnica minuciosa e apurada da Kelli em suas colagens, pois é bem difícil, até mesmo para olhos treinados (de fotógrafos e outros profissionais da edição de imagens), identificar em suas imagens os elementos que denunciariam a mesclagem de duas ou mais imagens diferentes. Esta qualidade técnica, por si só, seria terreno fértil o bastante para gerar discussões ferrenhas sobre os limites da manipulação fotográfica e sobre a classificação da fotografia na tríade peirceana da relação do signo com seu objeto (se não entendeu nada da última sentença, veja aqui algumas postagens para compreender um pouco mais sobre semiótica peirceana).

Sério, ainda não consegui enxergar falhas.

Mas vamos complicar as coisas um pouco mais. Muita gente por aí atribui a falta de credibilidade da fotografia na atualidade ao uso indiscriminado da manipulação da imagem, impulsionado pelo desenvolvimento e massificação da tecnologia digital. Há alguns anos, uma boa montagem fotográfica só era possível através do conhecimento técnico avançado de um bom laboratorista, profissional gabaritado para manipular os produtos químicos usados no processo de revelação e cópia ampliada dos filmes fotográficos. Hoje basta ter um celular com câmera digital integrada e acesso à internet (para baixar e instalar uma versão pirata do famoso programa)  para conseguir resultados bem razoáveis em montagens. Dessa facilidade, deriva o mau uso das ferramentas, como o excesso de manipulação e a falta de apuro técnico; uma associação altamente passível de gerar imagens sofríveis. E quando se torna possível comparar resultados diferentes oriundos da mesma ferramenta, derruba-se imediatamente o conceito largamente difundido de que as ferramentas em questão (fotografia digital e programa de edição) são as vilãs da história.

E onde a tia Tereza queria chegar com este parágrafo imenso aí em cima? Ora, na incrível descoberta de que a Kelli digitaliza negativos para recriar suas cenas! Isso mesmo: ela utiliza a fotografia analógica em suas criações. (onde está o seu deus agora, hater?)

Agora, dê mais uma espiadinha nas imagens da Kelli e reflita sobre sua vida.

Gente, é um contra-luz! Ela faz montagem com fotos em contra-luz em plena golden hour!!!

De uma delicadeza sublime.

Vi no My Modern Met. Para conferir mais imagens, clique aqui.

Logo quando foi divulgado o SIV dos Jogos Olímpicos de 2012, em meados de 2007, houve um grande reboliço entre designers e outros profissionais de comunicação. A marca apresentada foi duramente criticada por conta do aspecto oitentista das cores fortes e traços geométricos, e houve até quem considerasse que a marca cumpriu aí mesmo sua função: ficar impregnada em nossas mentes e se tornar inesquecível até o momento de seu uso mais intensivo, durante o período dos jogos.

Pois bem, agora podemos conhecer uma de suas mais emblemáticas utilizações: os ingressos. São eles que serão guardados em caixas de recordações, pregados em murais de quartos e grampeados em agendas, como a prova incontestável da presença na plateia e lembrança de momentos marcantes para muita gente.

Ingressos para Jogos Olímpicos de Londres 2012

Olha, pessoal, até que não está como eu imaginava que seria. Continuo vendo a marca dos jogos com baixa legibilidade, principalmente em proporções reduzidas. Mas até que a escolha das cores ficou interessante, considerando o uso discriminado por localização do evento. Os pictogramas de cada modalidade olímpica também me preocupavam, mas percebo agora uma boa leitura dos pequenos ícones vazados colocados abaixo dos aros.

Ainda vejo com certa restrição também os traços desnecessários nesses mesmos pictogramas, quando usados na área de destaque do ingresso. O que aparentemente foi colocado ali para atribuir dinamismo e energia às imagens acaba se tornando poluição em um certo nível (minimalista, muito prazer).

Já a hierarquização das informações me encantou: data, horário, e um “código de entrada” (nunca estive em um evento esportivo dessas proporções, não sei o que é isso, beijo) dispostos de maneira clara. Até o detalhe do mini mostrador de relógio analógico indicando a posição dos ponteiros no horário do evento foi um detalhe bem pensado! Abaixo da área focal do leiaute, que destaca o pictograma da modalidade sobre um mosaico nas cores atribuídas a cada locação diferente, os dados da entrada e localização do assento também são facilmente identificáveis. Só não consegui identificar algum propósito claro na utilização de duas cores no pictograma maior, e prefiro acreditar que o propósito não ficou evidente do que pensar em uma aplicação aleatória…

E vocês, o que acharam do visual dos ingressos?

Via My Modern Met.

Imaginem um espaço público como esse em Belém, que maravilha!

Talvez nem precisasse ser um espaço público (e eu não sei se a Flederhaus é pública), já que é costume do brasileiro desprezar iniciativas gratuitas e tratar logo de depredar ambientes assim. Mas se uma empresa privada construísse algo do tipo, com a localização correta e uma boa gestão, o serviço faria sucesso.

Nada mal, uma sonequinha com vista para a Baía do Guajará, com todo aquele vento gostoso refrescando a tarde.

O “Recanto da morrinha” (gostaram do nome? hehe) poderia contar com as opções de compartimentos climatizados (para quem já nasceu na menopausa, como eu, e não se refresca só com a brisa da tarde) ou simplesmente o janelão aberto, mais natural. Imagino que um quiosque de sorvetes da Cairu também não seria má ideia. Ou quem sabe um daqueles benditos frozen yogurts, para quem prefere uma alternativa mais saudável na merenda.

E na sua cidade, rola construir uma casinha para pendurar redes?

[Tradução livre e adaptada da autora do Interpretante Imediato]

1. O que você vê não é o que você vai ter.

Até o mínimo corte entre a cena vista no visor óptico e a imagem capturada faz diferença.

2. Pra ter o que você vê, é preciso entender a luz. Isso demanda bastante tempo, esforço e paciência.

Todos os ajustes relativos à luminosidade da foto precisam ser compreendidos em sua essência. Velocidade do obturador, abertura do diafragma, ISO, luz artificial, reflexos… Muitos itens a serem observados antes do clique.

3. A melhor habilidade que um fotógrafo precisa é antecipação e vivacidade para capturar um momento.

Se quiser as fotos extraordinárias, esteja sempre preparado, e comece a treinar sua mente para antever determinadas cenas logo antes que aconteçam. É um processo natural quando se trabalha um mesmo tipo de fotografia: infantil, casamentos, formaturas, retratos, shows…

4. Há tempo e lugar para cada tipo de equipamento.

Viajar para praias com câmeras e lentes intercambiáveis pode te deixar um pouco tenso. Tenha sempre à mão uma boa e simples compacta, como essa cor de rosa na mão da mamãe =)

5. As melhores fotografias que você vê não são acidentais. São o resultado final de reflexão e planejamento cuidadoso.

E você, já fez essas descobertas por conta própria? Ou já descobriu outras coisinhas? Compartilhe nos comentários!

Recomecemos os post com dicas sobre fotografia trazidas direto do Digital Photography School. Estou com um artigo muito bom na minha pastinha de favoritos há um bom tempo, sobre fotografar em preto e branco. Os leitores antigos já conhecem o esquema, mas não custa repetir: tradução livre e adaptada da autora do Interpretante Imediato.

Bem, muitos fotógrafos da era digital estão acostumados a fotografar tudo colorido, e decidir quais imagens serão convertidas para o preto e branco já na pós produção. Naquela base da “tentativa-e-erro” que o fotógrafo digital está acostumado… Tudo bem, isso não é exatamente um problema. Mas você já experimentou fotografar “pensando em preto e branco”? Aqui vão algumas dicas.

1. Fotografe em cores

A maior parte das câmeras já tem uma pré-definição que nos permite fotografar em preto e branco. Não a use. Pode soar estranho, mas suas fotos monocromáticas podem ser bem melhores se feitas em cores.Uma boa imagem em preto e branco vai exigir pós-processamento, e o padrão da câmara de conversão preto e branco não é tão bom quanto ter a sua própria conversão preto e branco.

Foto feita em cores, convertida na pós produção utilizando filtro verde.

Porém, há uma exceção a esta regra: se fotografar em formato RAW, você pode usar a predefinição preto e branco em sua câmera tranquilamente. Quando fotografa em RAW, a câmera mostra uma pobre conversão preto e branco em seu monitor, mas as informações de cor ainda estão disponíveis no arquivo. Se a sua câmera suporta um formato RAW, eu recomendo usá-lo. Ele vai te dar mais controle sobreo resultado final. Neste caso, a pré-visualização em preto e branco no ecrã da câmara pode ajudá-lo a ter uma idéia de como uma versão em preto e branco pode parecer.

2. Use o menor ISO possível

O ISO 100 me garantiu contornos bem nítidos do casal fotografado em contraluz.

Sabemos que a textura granulada é bastante popular nas fotografias em preto e branco, mas é recomendável que se use o menor ISO possível no momento do clique. Assim como a conversão das cores, o efeito granulado pode ser muito mais interessante quando adicionado na pós-produção, já que o granulado digital não é tão interessante quando o granulado do filme analógico. Porém, é preciso precaução com a velocidade do obturador quando o ISO é mais baixo. É preferível uma imagem mais granulada e ainda nítida do que uma sem ruído mas com um borrão no lugar do assunto.

3. Fotografe em dias nublados

O céu torna-se o mais barato equipamento fotográfico: um grande difusor natural e gratuito para retratos interessantes.

O morador de Belém conhece bem aqueles dias cinzentos, quando temos a impressão que alguém fechou as cortinas do céu, e vemos aquela densa massa cor de asfalto cobrindo o horizonte. Pegue sua câmera e aproveite! São dias perfeitos para fotos em preto e branco, já que a luz é difusa e a transição entre os tons dos difetentes objetos é bem sutil. Se preciso for, pode-se aumentar o contraste da imagem na pós-produção.

4. Aprenda a enxergar em preto e branco

A aparência do mundo é diferente em preto e branco. Quando você aprende a “enxergar” desta forma, começa a perceber de imediato as boas oportunidades de uma foto monocromática. Tente imaginar como a foto vai ficar em preto e branco antes de apertar o botão. É preciso prática, não é muito fácil, mas pode ajudar muito.

Ok, bolo branco + noiva de branco + noivo de preto facilita bastante a pré-visualização de uma foto em preto e branco antes mesmo do clique... Mas deu pra entender o exercício, né?

Procure por formas. Elas provocam sombras que realçam os contornos de um objeto. Se a luz disponível é dura, as sombras também serão. Formas belas podem se perder na profusão de cores, e o preto e branco é ideal para realçá-las. Na ausência das cores, as estruturas ganham mais importância. Use a luz para encontrar estruturas.

O alto contraste em uma fotografia costuma resultar em uma imagem confusa, mas a remoção das cores torna o contraste uma forma de direcionar a atenção ao que você quer realçar.

5. Pegue a câmera e vá fotografar!

Explore =)

*Artigo adaptado do Digital Photography School